在强烈的电子音乐节奏中混合音乐元素和喇嘛诵经吟唱,使人心情愉悦、欲随着音乐翩然起舞... 电子音乐(Electronic music，也称TECHML)，简称电音。 　　广义而言，只要是使用电子设备所创造的音乐，都可属之。任何以电子合成器、效果器、电脑音乐软件、鼓机（drum machine）等“乐器”所产生的电子声响，都可合理地称为电子音乐。广义电音的范围相当广泛，电影配乐、广告配乐，甚至某些流行歌、摇滚乐中都会出现，只是常人不易发觉。极狭义而言，电子音乐指涉科技(Techno)、出神(Trance)等种类的乐曲。然而事实上，只要是使用电子设备所创造的音乐，包括浩室(House)、鼓打贝斯(Drum and Bass)等音乐类型，甚至是只是使用电子放大器（amplifier）的爵士乐与民歌，也可以是电音。 　　 　　电子音乐与舞吧文化、锐舞文化密不可分。舞吧与尤其是户外锐舞派对，必然少不了电子音乐。透过DJ播放电子音乐，或称“打碟”，舞吧与锐舞派对的气氛才能炒热起来。 　　 　　有些锐舞客可能使用摇头丸、K他命等娱乐药物或毒品来助兴。而电子音乐因此曾蒙受误解：与毒品有连带关系。然而就实质而言，电子音乐只是一种音乐类型而已。 　　 　　电子音乐与其说是高科技的产物，不如说是时代的产物，与过去的摇滚乐有所不同，它更提倡青年人的参与精神，每一个电子音乐的追随者都坚信只有TECHML近乎一百分贝的震撼，才能使人获得心跳每分钟一百三十下的刺激与享受。它要求并不是用耳朵去听，而是要用全身心去感觉。电子音乐的宗旨是爱、和平、团结，这倒与联合国宪章有着异曲同工之妙，对于电子音乐的崇拜者来说，他们推崇的是少说话多思索的人生态度，追求人性中的真善美，并试图以一种博爱精神和世界大同的家庭观念来消除竞争社会中人与人之间的隔阂与冷漠。 Trance? 迷幻舞曲，由Techno演变而来，听了会让你有“出神”的感觉，但还是保有舞曲的律动，很注重Bass的表现，某些听了会有“催眠”的效果。拍子也是以4/4拍为主。不过我也有听过用Breakbeat的（下面会介绍）， 如Sven Vath的专辑Fusion。 Psychedelic Trance？ 又名Goa Trance，发源于印度的一个小岛上。Goa即为这小岛的名字。旋律常带有印度风味。这类Trance的特徵，就是很重视旋律，音符之间的细微变化，且常有重叠的旋律，和高亢的TB-303声音出现。有点Ambient的味道。 Psychedelic Trance 又名Goa Trance，发源于印度的一个小岛上。Goa即为这小岛的名字。旋律常带有印度风味。这类Trance的特徵，就是很重视旋律，音符之间的细微变化，且常有重叠的旋律，和高亢的TB-303声音出现。有点Ambient的味道。 Techno? Technology, 即表示"高科技舞曲"啦!利用电脑,合成器合成,做出一些特殊音效,这种音乐常常是许多音效组合起来的. Techno的节拍也是4/4拍,但速度较House快,且听起来具重复性,较强硬,较机械化,所以某些人称Techno为"工业噪音",但某些还是会注重旋律的. Techno起源于美国底特律,有三名DJ: Derrick May,Kevin Saunderson Juan Atkins尝试将电子乐与黑人音乐结合,而产生了Detroit Techno. Detroit Techno通常较平缓, 不像一般的Techno那样强劲,可说是现代Techno的起源. 数码的根源可追溯到80年代中期的底特律电子房音乐。那儿的音乐房依然明确的和迪科斯紧密相连，尽管这处联系过于机械化。数码的缔造者和DJ们是Kevin Saunderson，Juan Atkins、Derrick May和那些热衷于电子合成音乐的艺术家们，如Afika Bambaataa和合成摇滚的艺术家，如Kraftwerk。在美国，数码是一种直接的地下音乐形式，但在英格兰，80年代后期却作为主流音乐一下子爆发出来。90年代早期，数码开始渗入到不少音乐风格领域中，包括硬核、氛围和jungle（丛林音乐）中，在硬核数码里，每分钟的点子打击纪录越发不可理喻。根本无法随之起舞――被设计成一种为海外所接受的风格。而氛围音乐则相反，当那些自由人和俱乐部的过往人在酸性音乐房和硬核数码音乐房作一短暂的休息，缓慢的打击有如流水般的电子音乐结构便符合这种氛围的，成为一种流传下来的音乐。 Jungle几乎与硬核一样具有积极的因素，结合着间断停顿的数码音乐和舞会雷？。所有的数码音乐最初多是为俱乐部而设计的，那儿的DJ并给予了音乐混合后的新生命，最重要地，大多音乐在12英寸的独奏或许多音乐家的联合完成，歌声可以回荡得更长时间，给DJ更多的素材融入到他们的设置中。90年代中期，新的数码音乐家开始成长――大多特别地氛围音乐家，如Orb和Aphex Twin，但是也有不少顽固的艺术家，如Prodigy和Goldie，开始灌唱片集，而非生硬的把打击乐组合起来。不出所料的，这些音乐家――成就非凡的艺术家――成为在数码领域中公认的奠基者。 Electro? 早在70年代末，80年代初，那时还没有House、Techno……这类玩意儿，电子音乐也较不盛行，只有Electro这类电子音乐而已。 Electro可说是纯粹以电子合成器（Synthesizer，长得有点像Keyboard）来发声的音乐，通常蛮轻柔的，且常使用Roland公司的鼓机（Drum Machine）TR-808来发鼓声。德国的Kraftwerk乐团可算是代表。 现在的Electro音色比以前明亮，透明许多。后来一些DJ利用Electro变形成了一种Hip-Hop乐，被称作Old School。现在的Fatboy Slim（流线胖小子）也融合了一些Electro和Old School在音乐中。

吉他的种类很多，我就不一一卖弄，我仅仅是喜欢几种吉他类型而已。 Ottmar Liebert -《新式佛朗明哥》(Nouveau Flamenco) 专辑介绍 原版CD,HIGHER OCTAVE 1990年出品.此碟为现代吉他高手Ottmar Liebert的佛朗明哥音乐专集,原CD名为:Nouveau Flamenco."Nouveau"是"新"的意思.新世纪音乐的吉他手OTTMAR LIEBERT自1990年出道到现在,每一张作品除了是BILLBOARD杂誌NEW AGE榜上的常胜军长年盘据榜上不下,并跨越至流行榜上外,也始终是乐评们一致推崇的最佳艺人及专辑.OTTMAR集中、德、匈牙利血统於一身,11岁便於吉他结缘,18岁完成正统古典吉他学业之后,便展开其浪迹天涯的音乐之旅,足迹遍及欧、亚及美洲各地,先后加入JAZZ.FUNK.POP.POPROCK等风格的乐团,接受各种文化衝击与音乐薰陶.如此丰富的血统与阅历,交融结合而成一个才华洋溢的OTTMAR及其独特珍贵的音乐风格.从其音乐中,除了可感受到来自於JAZZ' BLUES'POP及古典等音乐的影响,亦自然流露出西班牙、德国及中国的传统音乐气息.

何为“轻音乐”？ “轻音乐”是音乐范畴里的一个品种。形象地说，它是音乐中的轻武器，和文学里的小品文、笑话、抒情诗等大致相同。它具有轻便、通俗、小巧玲珑、易懂和易被人接受的特点。它和交响乐、协奏曲、大合唱、管弦乐等大型艺术形式形成鲜明的对照。在人民群众中间，轻音乐十分普及，具有广泛的社会意义和精神作用。但是，在轻音乐形式的作品中，也有很多作品是低级黄色的，因此，轻音乐就其政治内容来讲，有好的也有坏的，有进步的也有落后的。 轻音乐的种类较多，它包括一般的生活歌曲、抒情歌曲、诙谐歌曲、讽刺歌曲，还包括一些轻歌剧、圆舞曲、小型管弦乐序曲、小夜曲，以及部分管弦乐曲小品、电影歌曲、舞蹈音乐等。 轻音乐的风格和特色，较之其他音乐形式更为轻快活泼，富有风趣，特别是它的曲调格外动听。一些交响乐、管弦乐、大合唱等作品，在手法上往往要借用和声、配器、复调等技术手段的帮助，而轻音乐除此以外，更重要的还要靠旋律的优美来完成。因此，轻音乐对于曲调优美轻快的要求，比其他音乐形式更为严格。一首抒情歌曲应该是优美委婉的；一个圆舞曲必须节奏鲜明，音调悠扬，一个诙谐的歌曲要给人们以欢乐愉快的感染，一首讽刺歌曲，应该是辛辣犀利的。这些轻音乐独具的表现特色，也就形成了它自身的风格。 走进温馨浪漫的诗意之国——漫谈轻音乐（一） 音乐中的“第三种势力” 所谓轻音乐（LIGHT MUSIC）是相对古典音乐而言的，即用通俗流行手法进行改编诠释，用小型乐队进行演奏，以营造温馨浪漫情调、轻松优美氛围为宗旨，带有休闲性质的一种通俗音乐。众所周知，古典音乐具有厚重的织体，庞大的结构和规模，凝重的乐思，深刻的思想内涵，最主要的特征是严肃端庄。轻音乐则相反，织体轻盈，结构小巧简单，节奏明快舒展，旋律优美动听。它没有什么深刻的思想内涵，也不想拥有这种内涵，只想带给人们轻松优美的享受，其主要的特征是轻松活泼。因此，把这种音乐命名为轻音乐是非常贴切的。 但轻音乐也不等同于以流行歌曲为核心的流行音乐。它不像流行音乐那般具有鲜明的时代特征和对社会的批判意识而显得温文尔雅，也不像流行音乐那般媚俗、煽情而具有较高的审美品味，商业气息也相对较少。热门流行歌曲很快就会过时，优美的轻音乐乐曲却会经久不衰。总的来说，轻音乐介于古典音乐和流行音乐之间，是对二者鲜明对立的一个折中，可谓是音乐中的“第三种势力”。它古典气息和现代风味兼而有之，华丽而不艳俗，浪漫而不轻浮，抒情而不缠绵，既通俗易懂、平易近人，又格调高雅、风度不凡。古典乐迷不觉得粗俗，流行音乐爱好者也能够接受，可谓雅俗共赏。 轻音乐的这种特征使得它一出现就受到广泛的欢迎。30年代后期成立的曼托瓦尼乐队是轻音乐诞生的一个标志。该乐队以极为柔和动听、优美醉人的演奏，使轻音乐迅速树立了自己独特的形象和气质，在通俗音乐乐坛上奠定了自己的地位。60～70年代是轻音乐的全盛时期，一大批各具特色的轻音乐乐队纷纷建立，如詹姆士 ·拉斯特乐队、保罗·莫里亚乐队、享利·曼西尼乐队、珀西·费斯乐队、斯坦利·布莱克乐队、贝尔特·肯普弗尔特乐队、维尔纳·缪勒乐队、阿尔费雷德·豪泽乐队、弗兰克·普赛尔乐队等。这些乐队在欧美各地不断举办轻音乐演奏会，录制了大量精美唱片，畅销世界各地。这种小巧精致的音乐让古典乐迷们感到两耳一新，风味别具，就好比穿久了正儿八经的西服后，换上了随意自然的休闲服一般。而流行音乐爱好者在领略了声嘶力竭的呐喊冲击之后，轻音乐就像是一杯清凉爽口的饮料。 走进温馨浪漫的诗意之国——漫谈轻音乐（二） 新瓶装旧酒 轻音乐的曲目大多是通过改编而来。其中，欧美流行歌曲占了很大的比重，很多都是上了英美排行榜的热门歌曲，如《昨天》、《雨的节奏》、《我爱巴黎》、《爱情是兰色的》、《莉莉·玛琳》等。这些歌曲被改编成轻音乐后，淡化了原歌中的流行因素，突出了优美的旋律，使音乐情调一变，更加优美悦耳。至今，很多热门歌曲已经被人们忘记，但轻音乐改编曲却留在了人们脑海中。 欧美电影尤其是好莱坞电影、音乐剧、舞台剧的主题音乐或插曲，是轻音乐的另一个重要改编来源。像《月亮河》、《时光流逝》、《雨点不断地掉在我头上》、《泉水里的三枚硬币》、《说你，说我》、《爱情故事》、《教父》、《日瓦哥医生》，《阿根廷，别为我哭泣》、《回忆》等乐曲，都已成为轻音乐的经典曲目。 用通俗音乐语言诠释古典名曲，这是很多轻音乐乐队都十分热衷的。好的改编和演奏，既保留了原曲的古典精神，又融入了鲜明的现代气息，古典音乐迷不嫌浅薄而感到别有韵味；那些对古典音乐敬而远之的人则发现与古典音乐的距离缩短了，提高了欣赏兴趣。改编成轻音乐的巴赫《圣母颂》、舒伯特《小夜曲》、莫扎特《第二十一号钢琴协奏曲》、贝多芬《月光》、《悲怆》奏鸣曲中的柔板、李斯特《爱之梦》、斯美塔那《伏尔塔瓦河》、马思涅《冥想曲》、肖邦《即兴幻想曲》等，听来别具一格，满耳生辉。 世界各地的民族民间音乐也是轻音乐的改编对象。如英国的《夏天最后一朵玫瑰》，意大利的《重归苏莲托》、《桑塔·露琪亚》，罗马尼亚的《霍拉舞曲》、加拿大的《红河谷》、美国的《牧场上的家》、古巴的《鸽子》、吉普赛的《流浪者之歌》和拉丁音乐等。此外，一些广为流传的浪漫小曲如《少女的祈祷》、《爱的浪漫曲》、《绿袖》等也是轻音乐乐队经常演奏的曲目。 走进温馨浪漫的诗意之国——漫谈轻音乐（三） 独特的韵味和美感 轻音乐所具有的韵味和美感既不同于古典音乐，也不同于流行音乐。动人的旋律、优美的和声、新颖的配器、丰富的音色、浓郁的浪漫情调都给人以全新的感受，产生了轻音乐特有的美感。曼陀瓦尼乐队演奏的《魅力》这首乐曲，集中体现了这种美感。那极其悦耳动听的音响，像醉人的芳液一般流进人们的心中，令人情不自禁地在心中喊到：“太美了！”该乐队演奏的《时光流逝》、《秋叶》、《昨天》等乐曲带给人的美感也是难以用言语来表达的。 听保罗·莫里亚乐队的演奏，令人感到每个音符都渗透着法兰西民族特有的浪漫情调，让你联想到葡萄酒、玫瑰、郁金香的芬香；地中海的阳光，情人的欢笑和眼泪。他把各种浪漫的情思和生活中的诗意展现出来，令人产生了强烈的共鸣。他的成名作《爱情是蓝色的》，自60年代轰动欧美后，经久不衰，成为轻音乐乐队争相演奏的曲目。 而詹姆士·拉斯特乐队演奏的《莫斯科郊外的晚上》所具有的美感也是原歌曲无法替代的：随着吉他轻轻弹拨出几个分解和弦，在打击乐器奏出的明快节奏的映衬下，三角琴轻柔委婉地弹出了歌曲的主旋律。接着优美的混声合唱伴随着弦乐的延伸轻轻响起，时强时弱，时远时近，把人们带入遥远的、充满温馨浪漫情调的俄罗斯夜晚之中。整个乐曲如梦如幻，美不胜收。如果说听交响乐像是在观赏戏剧，那么听轻音乐就像是在读一首首优美的小诗、观一幅幅色泽淡雅的风景画，令人赏心悦耳，心旷神怡。 走进温馨浪漫的诗意之国——漫谈轻音乐（四） 新颖、别具一格的改编手法 轻音乐乐队的指挥大都精通古典音乐，会演奏多种乐器。他们既是乐队的指挥者，也是乐曲的编配者。轻音乐所具有的独特魅力，在很大程度上归功于他们对原曲进行的这种带有创作性质的编配。其中最经常使用的手法是对原曲的节奏、速度、力度、节拍等音乐要素进行重新处理，比较常见的是赋予古典音乐以拉丁舞曲和爵士、摇滚、迪斯科音乐的节奏，通过打击乐器加强原曲的节奏特征和节拍重音等，使乐曲的形式与内容产生了强烈对比。如用迪斯科节奏来演奏莫扎特的小夜曲，用探戈节奏来演奏勃拉姆斯的匈亚利舞曲，用桑巴、恰恰、伦巴的节奏来演奏德沃夏克的斯拉夫舞曲、奥芬巴赫的船歌等，听来热情奔放，极富有感染力。对一些原本节奏激烈的流行歌曲则采取慢节奏进行“柔化”处理，进而产生一种新的听感。 丰富多彩、别具一格的配器，是轻音乐改编的另一种主要手法。一是喜爱使用一些不登大雅之堂的民间乐器，如曼陀玲、西班牙吉他、口琴、手风琴等，并经常让其演奏主旋律，以此来营造特殊的音乐情调和氛围，并与传统的管弦乐器形成音色上的对比，使音响富于变化而丰富多彩。二是喜爱使用各种打击乐器，如木琴、小军鼓、爵士鼓、铃鼓、三角铁、碰铃、沙锤等，还使用一些富有特色的民族民间打击乐器，使音响生动活泼，极有感官上的冲击力。三是通过加入电声乐器来丰富乐队的音色和增加音响的现代气息。电子乐器与打击乐器、传统的弦乐器完美地融合在一起，营造出一种晶亮轻盈、生动明快的音响效果。四是通过加入无词的人声哼唱来烘托优美的音乐氛围。这方面詹姆土·拉斯特是开先河者，他的乐队专门设有一个混声合唱队，演奏中，伴随着具有现代气息的节奏，动人的无词混声哼唱与乐队演奏的优美旋律交替出现，时起时落，极为优美动听。如该乐队演奏的贝多芬《致爱丽丝》、奥芬巴赫《船歌》等曲，都加入了男女混声无词哼唱，听来韵味独特，美不胜收。 走进温馨浪漫的诗意之国——漫谈轻音乐（五） 轻音乐的录音制品 80 年代以来，轻音乐的演奏逐渐向个人化方向发展，乐队的核心已经不是指挥，而是某一种乐器的演奏明星；乐队也由原先的演奏主体转变为演奏的配角。有的轻音乐乐队则兼收并蓄，将交响乐、流行音乐、爵士乐、摇滚乐、新世纪音乐融为一体，与传统的轻音乐乐队已有很大的差别。这类可称为“新轻音乐”的唱片很多，但除了理查德·克莱德曼（钢琴）、肯尼基（萨克斯）、比尔克（单簧管）、莫地亚与奥汀（陶笛与大提琴）、赞菲尔（排箫）、雅尼等人及乐队录制的唱片外，大多数唱片“沙龙味”较浓，不能给人以高层次的审美享受。 要听正宗的轻音乐，首选的仍然是3大轻音乐乐队。事实上，这3个乐队的唱片在国内已占据了主流地位。其中曼托瓦尼乐队的唱片大多由DECCA公司出品，主要是50、60年代的录音。去年DECCA公司发行了一套两张的曼托瓦尼金曲集，汇集了曼托瓦尼乐队演奏的最精彩的29首金曲，是收藏的珍品。一些欧美小唱片公司和日本唱片公司也出品了不少该乐队的唱片。詹姆士·拉斯特乐队是环球公司（原宝丽金）旗下的专属乐队，几十年来录制了大量精美唱片，仅在国内能见到的就有30多款，是录音制品最多的一个轻音乐乐队。保罗·莫里亚乐队的唱片由 PHILIPS公司录制，数量也较多，而且有不少近几年新录制的唱片，录音水准也较高，音响效果极佳。其他著名轻音乐乐队，如亨利·曼西尼乐队、阿尔弗雷德·豪泽乐队、斯坦利·布莱克乐队、科特·埃德勒哈根乐队、黑塞乐队的唱片也有不少进入了中国，但目前已不容易见到。

Meditation 新世纪音乐冥想（可以看作是一种高级的打盹方式）。在New Age风行的今日，冥想成为New Agers实践的一种重要方式，同时也产生了配合这种方式的音乐。在New Age音乐中就有很多的音乐就是专门为冥想活动而做的（有时是不太适合当音乐来听的）。这种音乐一般没有明显的节奏，音乐上表现地平滑、流畅，使听者能够放松身心，有时音乐家们也会借助一些自然的声效来加强意境的渲染。 冥想(meditation) 冥想：打開內心慧命的鑰匙 有時我必須寂靜 因爲那是唯一的方法 去認知更好一點 去思想更智慧一點 去變得更完美一點 去擁有上帝更早一點 冥想是神的禮物。冥想可以簡化我們外在的生活，並活化我們內在的生命。冥想帶給我們一個自然又自發的生命，此生命變得如此自然自發以致給我們無法生而不覺察到自己的神性。 祈禱之火焰與冥想之海洋 祈禱和冥想的差別是：當我們祈禱時，我們覺得自己的存在是專注高升的火焰，祈禱的本質在於高升直連神。當我們冥想時，我們把自己放進廣大的空間，進入安寧和極樂的無限海洋，或者我們歡迎無限的廣大空間進入我們。 祈禱和冥想有如銅板的正面和反面，兩者皆極爲有效。當我祈禱時，我說話，神聆聽，當我冥想時，神說話，我聆聽。祈禱時，我們往上爬向神。冥想時，神走下來見我們。終究二者是相同的。不過我們要知道，祈禱時我們會覺得自己是與神分離的個體。我們覺得他在某個地方，而我們在其他的地方。我們向上看著他，對著他哭求,不過我們不知道神何時或如何去實現我們的禱告。冥想說：”神不瞎也不聾！他知道要如何去做，以便透過我去圓滿他自己，讓我停留在靈性的寂靜中吧。” 最高的禱告是耶穌基督說的：”讓神的意旨實現。”這個禱告也是冥想的開始，當禱告結束旅程時，冥想開始。 冥想有如潛入海洋底部，那裏每樣東西都是鎮定又寧靜的。海洋的表面也許是波濤洶湧，不過海洋下面不受影響。在它的最深處，海洋是完全的寂靜。當我們開始冥想時，首先我們試著去接觸自己內部的存在, 我們真正的存在，那就是海洋的底部。然後，當外面世界的海浪過來時，我們不受影響。恐懼、疑惑、憂慮和所有世間的混亂都會被洗刷掉，因爲我們內心是堅固的安寧。思潮不能觸動我們, 因爲我們的腦海是完全的安寧，完全的寂靜，完全的交融合一。有如海中之魚，它們跳躍、游泳, 卻不留痕迹。當我們進入最高的冥想時，我們覺得自己是海洋，海洋裏的動物不會影響我們。我們覺得自己是天空，所有飛過的鳥兒不會影響我們。我們的腦海有如天空，我們的心是無限的海洋，這就是冥想。 我向神祈禱，對著神冥想 我向神祈禱，去仰望他崇高的臉 我對著神冥想，去感覺他喜樂的心 開始冥想 在家冥想時，要在自己房間角落找到一個絕對純淨聖潔的地方，一個只用來做冥想用的神聖地方。每日的冥想最好自己一個人做。開始冥想前先做沐浴是有幫助的，最好穿上輕便乾淨的衣服。 要過靈性的生活，你應該每日至少冥想一次。最好在大清早冥想，那時大地的氣氛是平靜祥和的，傍晚也是個好時間。假如你重視自己的冥想, 並且心意誠敬, 你冥想的力量就會自動增長。假如你的冥想有規律又準時，你就會注意到自己的進步，在固定的時間冥想會幫助你打敗心思的懶惰和散漫。 冥想時，保持背脊挺直和放鬆身體是很重要的。你會發現你自己內在的神明會自動帶你到一個舒服的姿勢, 然後靠你去保持好。有些人喜歡躺著冥想，不過這並不適當，你會很容易進入睡眠的世界或一種內在的小睡狀態。另外，做正式的冥想時並不一定要採用蓮花座的姿勢，這是一種高級的瑜珈姿勢，許多人坐在椅子上就可以做很好的冥想。 燒香或點蠟燭，或在眼前放一些花都可以幫助你。外界的花朵可以使你想起自己內心的花朵。當你聞到香的味道時，你會獲得靈感和淨化, 而增加你內在的寶藏。當你看到外界的火焰時，你會感到自己內在的火焰在往上爬高、更高、最高。 適當的呼吸 在冥想時，適當的呼吸法是很重要的。做呼吸時，盡可能緩慢，安靜地吸氣。這時假如某人在你的鼻子前放一要細線，它完全不會動。呼氣時要更緩慢。在呼氣結束和吸氣開始前稍做停頓，假如可能，停止呼吸幾秒鐘。不過若覺得困難，就不要做。永遠不要去做會傷害到你的器官或呼吸系統的動作。 每次吸氣時，試著去感覺你正帶著無限的安寧進入你的身體。呼氣時，試著去感覺你在把身體內外的煩躁趕出去。如此練習幾次，試著去感覺你正從宇宙內吸進力量。當你呼氣時，感覺你所有的恐懼正離開你的身體。如此練習幾次後，試著去感覺你在吸入的是無盡的喜悅，而你在呼出的是悲傷，痛苦和憂愁。 你也可以試試其他的方式，感覺你吸進去的不是空氣，而是宇宙的能量。感覺自己身體沒有哪一個地方不被宇宙能量所填滿，它就像一條河在你體內流動，洗刷並淨化你整個存在。然後，當你開始呼氣時，感覺你正呼出體內所有的垃圾：人所有非神性的思想，不明的意念和不淨的衝動。 邀請你的朋友 假如你較喜歡神的某一特質，例如愛，那就以虔誠的心靈重覆念“愛”這個字幾次。在說“愛”這個字時，試著去感覺它正在你內心的最深處不斷地回響：愛、愛、愛。假如你較喜歡神性的安寧，那就在內心裏唱誦或重復說“安寧”這兩個字。做的時候，試著去聽到字裏面具體呈現的宇宙之音，去感覺“安寧”是根源聲音，在你的內心深處不斷回響。假如你要光亮，那就很虔誠地重復說“光亮、光亮、光亮”, 並感覺你實際上已經變成光亮。從腳底到頭頂，試著去感覺你已經變成自己不斷重復念的那個詞，感覺你整個身體充滿了愛、安寧和光亮。 還有另外一種練習，感覺你站在自己的心房之門前，你已經邀請愛、安寧、光亮、喜樂和你其他所有神性的朋友進來。假如複雜、無誠、不安、疑惑和其他負面的力量出現，不要讓它們進來。試著去感覺神性的特質和非神性的特質卻以人身出現，你可以用肉眼看到他們。甚至你每月只能想到一個朋友，並邀請他進入你的心門，那就是神性友誼的開始。今天你只允許“愛”這個朋友進入，明天你允許“喜樂”這個朋友進入。過了一段時間，你將有能力同時邀請更多的朋友。開始時，你可能沒有足夠的能力去同時招待一個以上的朋友，不過終究你將會有能力去邀請你所有的神性朋友。 對著心冥想 對著心冥想比在腦中冥想更好。腦子就像除夕的紐約時代廣場，而心則像喜馬拉雅山上一個遙遠的山洞。假如在腦中冥想，你也許可以持續5分鐘，其中只有一分鐘你可以冥想得很好。開始時你也許會得到喜悅和滿足，然後它也許會感覺如荒漠, 或者你的腦子內再度擠滿了思緒。不過假如你對著心冥想, 你獲得能力去與你得到的喜悅和滿足認同, 然後它會永遠變成你的。 你從心智得到的和從心得到的有巨大的不同。就本性來說，心智是有限的，而心是無限的。在你內心深處是無盡的安寧、光亮和極樂，要得到其中的一部份是很容易的，在腦子內冥想就可以得到。不過假如你對著心冥想，你可得到無限地更多，假如你有機會在兩個地方工作，一個地方你可以賺200元，另一個地方你可以賺500元，假如你是明智的，你不會把時間浪費在第一個地方。 當冥想時，感覺你是一個站在花園中的小孩，這個花園就是你的心。一個小孩可以在花園中玩耍幾個小時，從這朵花看到那朵花，他不會離開花園，因爲每朵花的芳香和美麗都可以給他喜悅。去感覺自己心內有一個花園，你想在裏面停留多久都可以，這樣你就可以對著心冥想了。 你腦中有許多問題 只有一個老師 會回答 那老師是誰 喜愛寂靜的心 我的冥想正確嗎 ? 假如你的冥想做得適當，你將感覺到內外都有自發的內心的喜悅和安寧。不過假如你感覺到心理的緊繃或干擾, 那種冥想就不適合你。假如你的冥想做得好，你會對世界有一種美好的感覺，你會以友愛的方式去看這個世界，雖然它充滿了不完美。另外，冥想後你會有一種精力充沛的感覺，假如你覺得你來到這個世界是要做一些事情，要轉變成某種人，成長爲神的影像，變成奉獻給他的工具，這就表示你做了一個很好的冥想。 在開始時若不能做好冥想請不要心煩，甚至於外在的生活中，天曉得我們要經過多少年的練習才能做好某件事情。一個鋼琴家想起他開始彈琴時的水準只會覺得可笑。在經過不斷的進步之後，他才達到目前的音樂的高峰。在心靈生活中亦是如此，開始時也許會覺得做冥想是困難的，不過你的能力會逐漸的增強。 不過話說回來，從第一天開始，你就可以感覺到冥想的好處，我們甚至只喝一滴海洋的水，它喝起來就是鹹的。同樣的，在冥想時假如我們只喝一小滴寧靜之海的水，我們也一定會在自己的生命中體驗到寧靜的。 冥想是實際有用的嗎？ 我們說某人是實際的，那是說他在適當的時機做了適當的事，所以他的生活中平順進展。不過不管我們是多麽聰明，多麽警覺，有時我們於外在的生活中也會有失落。我們不知道要說什麽，做什麽、或者不管我們說對也做對了事，每件事情卻都錯了，我們無法管理自己的生活。我們真誠地想要做某件事，變成某種人，可是卻做不到。 這個爲什麽會發生？那是因爲我們外在的能力總是受限於我們內在的意識。假如我們的內在生活是實際的，也就是說我們祈禱和冥想，那我們將會增加我們內在的意識。有了內在的意識，我們就能自由地接觸到無限的真理和永恒的喜悅，我們就可以掌控自己的外在生活。 我們說是要從內生長，不是從外面。從地下的種子才能長出植物，不能反其道而行，內在的生活不斷地帶來最高的真理和神的訊息。這個內在的最高真理就是種子，我們允許種子發芽，生長成幼苗，終於變成一棵大樹，我們就可以吃到樹上結的果實。當我們吃果實時，我們知道果實屬於外在的世界，雖然它的根源是在內在的世界裏。我們會看到內在世界的能力在外在的世界中顯現出來。 在外在的世界中，不管我們工作多少個小時，說話、或做任何事，我們無法接近最高的真理，不過假如我們先做冥想，然後再行動和說話，我們做的就是實際有用的事情。內在的實用性一定要引導外在的生活，不能反其道而行。 外在生活的生命氣息一定是來自於內在的生命，這樣我們才會是真正的實際有用。 假如我們真能勇敢地進入內在的生活，我們將看到內在的世界是實際的、真實的，自然的。愛、光亮、安寧和喜悅都是神美地正常的。假如我們把內在世界所能供給我們的東西帶出來，那外在世界也會變得神美地正常，實際和滿足的。 最高的實體 對初學者而言，冥想好像是最高的實體，不過當一個人修行更高之後，他知道冥想只是引導人走向最高的實體，那最高的實體是當我們走在冥想的道路上所能夠成就或成長的東西。神性的生活在地球上並非遙不可及的，只要我們知道秘密中的秘密，要在世間修練到神的圓滿不會永遠遙不可及的。這個秘密就是要成長進入神的愛，那裏敬愛者和被愛的神合而爲一，萬物與造物者合而爲一，有限的與無限的合而爲一。當覺悟降臨人身，神不再只是一個承諾，而是一個實際的成就。 你可以改變自己的生活，你不需要等幾年或幾個月後才做改變。你深潛進入靈性生活的海洋時，改變就開始了。試著去過一天靈性修行的生活，只要一天，你一定會成功的。 我現在要叫醒我自己 我現在就叫醒 在我心的森林中, 看見我自己 我要愛我自己，愛我自己 我要追尋自我 我絕對的財富 至高的光亮之旅將要開始 在自由的心中 (本文摘自親穆儀大師所著" 喜樂的翅膀 "一書) 一个人有怎样的心态就决定有怎样的一生，有怎样的一种态度就决定一个人的命运，心灵是我们每个人都深埋在内心深处的一种感觉感受感悟。。。。。。

背景音乐简称BGM，是Back Ground Music的缩写，它的主要作用是掩盖噪声并创造一种轻松和谐的气氛，听的人若不专心听，就不能辨别其声源位置，音量较小，是一种能创造轻松愉快环境气氛的音乐。 　　因此，背景音乐的效果有两个，一是心理上掩盖环境噪声，二是创造与室内环境相适应的气氛，它在宾馆、酒店、餐厅、商场、医院、办公楼等广泛的应用。乐曲应是抒情风格的或是轻松的，强烈激性的乐曲是不适宜。 　　背景音乐不是立体声，而是单声道音乐，这是因为立体声要求能分辨出声源方位，并且有纵深感，而背景音乐则是不专心听就意识不到声音从何处来，并不希望为人感觉出声源的位置，以至要求把声源隐蔽起来，而音量要较轻，以不影响两人对面讲话为原则。 不管是立体声还是单声道都无法取代家庭影院。 什么叫背景音乐 衬托、烘托主题的音乐。 举例：智能化控制及使用: ●同时多种音源播放 ●每区域可独立控制开,关 ●每区域可独立选择不同音源 ●每区域可独立控制碟机播放 ●每区域可独立控制USB MP3播放 ●每区域可独立控制高低音 ●主机可预设所有区域功能 ●所有区域广播系统直通 ●学习遥控功能 营造360度全域音乐空间: ●12路输出并支持扩展 ●全系统低压传输 ●8组区域控制器 ●4组HIFI立体声 ●入墙式喇叭设计 ●入墙式控制终端设计 ●长距离抗干扰控制线 ●每房间独立全遥控 ●MP3单曲,选曲循环播放 ●每天8组开,关机时间设定 ●终端音箱双高音错相设计 1，通过中央音源可以在住宅内的公共区域提供悠扬的背景音乐，如一层的客厅及走廊，老人房，西厨及早茶区，餐厅，车库；二层的主卧，主卫，书房，过厅和次卧；地下室的健身区和花园等等，或者可设置在主人需要的地方，各个地方可以选择不同的音源，并且可随意控制音量的大小以及曲目的选择。该系统可纳入中控系统里，即通过触摸屏可实现各种音源的切换，音量的调节，音源的各种控制等等。 2， 背景音乐和安防，监控等系统集成，可作为应急广播使用。如果出现报警或紧急情况，可以播放录制好的语音或者直接人工紧急广播。 3，该系统还可以和室内呼叫系统集成，主人呼叫时声音可以从扬声器上广播。

关于 Lounge音乐虽然Lounge常被说成是「欧洲最新流行」，但并不是新鲜的东西，它指的是高级时尚酒吧，供社会名流饮酒作乐兼社交调情，古已有之，并不稀奇。最大的差别大概是其中放的音乐，也就是lounge music，台湾译为「沙发音乐」。至于什么是lounge music，如果你不想被drum ‘n’ bass、soul house、trip hop、ambient、nu jazz、downtempo、等等名词搞昏头的话，简单地说：lounge Music是指适合在lounge里放的音乐。废话，但实情即如此。Lounge既然是讲究「休闲」、「放松」、「最in」、「时尚尖端」、．．．，那里头放的音乐当然也要符合这些要求。 因为lounge music是指一种气氛和品味而非音乐型式，所以很少会有一首歌被归为lounge。但若把许多曲子集合在一起，只要挑得对，就可能呈现出lounge的味道。所谓「lounge的味道」并不难懂，只要看看那些号称lounge music的CD封面长什么样子就八九不离十了。这类CD封面内容十分一致，绝少例外： 一、 身材火辣、衣着入时的美女。我们第一个联想到的是时装走秀的音乐，性感挑逗。 另一个讯息是，这种音乐必须符合都会女郎的口味，软甜如绵花糖。 二、 一张沙发，或放着好几张沙发的室内空间，而且沙发通常空着没人坐。表示这种音乐舒适柔软，不痛不痒无杀伤力，人人可得而躺之坐之，让自己身心深陷于其中。那张沙发就算有人，也一定是撩人美女，请参考上一项。 三、 欧洲都会或海滩落日风景，多半是法国、意大利和西班牙等具有浪漫遐想，又领导时尚的国家，表示这种音乐会让人有渡假中的错觉。 四、一尊佛像。这类封面也比较常见，表示其中收录带有东方异国情调的曲子,如注明的Buddha-bar佛之吧系列。 Lounge文化就是这样，没什么大学问。若要问起这么简单的东西为什么会大流行？我想，大抵是这个超速的时代，每天都有追不完潮流和信息，都市人渴望「慢下来」，但又慢得心不甘情不愿，即使只是休闲，也得要跟上时代。虽然有人嫌这lounge文化太娇柔造作，无论如何，轻松一下又何妨？除了 lounge里的饮料太贵，我没有别的抱怨。 LOUNGE就是时尚 LOUNGE就是品味 LOUNGE就是舒服 LOUNGE-MUSIC开始与你发生关系 天色渐晚，你和友人走进预定好的餐厅，内部传来Omar Faruk Tekbilek"I love you"慵懒的乐音，在昏黄的烛光下，舒适的沙发，可口的餐点，乃至于整个餐厅所传达出的一股不同于一般所谓高级餐厅的优雅品味，让你开始怀疑这间餐厅到底是使用了什么魔法，当Africanism的Block Party响起的时候，你猛然发现是音乐；这就是lounge music发展的实况。在过去的观念中，音乐是隶属于场地的，例如舞厅就应该放舞曲，或是餐厅总该来个小提琴演奏等等，在受到ambient运动的启发以后，后现代的音乐人体认到音乐本身即有可能创造出一种特定的环境感觉，听着音乐，闭上眼睛，你就可以环游世界，神游各处，于是音乐与场地的主客观系互异，在最为讲究生活品味的欧洲，诞生了"lounge music"这样的概念，音乐不再被动的被场地索求，而是DJ们塑造场地气氛与环境的利器，louge music概念的出现，象征着精致生活与音乐品味结合的实践。 Lounge专辑的意境 tripping 选择lounge music与选择下的时下流行音乐有什么差别?在于一般流行音乐的逻辑思维下，特定音乐曲目及特定的艺人会是爱好者们竞逐的目标，但在lounge music的概念中，这些东西都不过是服务于选曲者所想要表达概念的工具，当您选择一张lounge music唱片时，所拥有的不单是唱片中的曲子与艺人，那种由旋律所演申出强烈的区域性让您可能是位在东方的神秘灵修地，也可能是坐落巴黎香榭大道的露天咖啡厅，更可能在领导时尚的比佛利大道，而lounge music它多元性的音乐元素，更让人聆听一整张的tripping及DJ set之后，所产生出无负担的耳馥之欲；就另一面来说lounge music诞生，也衬托出人们了不轻易妥协的音乐品味，进而呈现出一种生活上优雅高尚的态度，或许继chill-out及ambient之后，所喜欢 lounge music音乐性的雅痞族又多了一项更执着于品味的选择。 更多的图片和相关信息http://www.maidee.com/topic/3542请大家点击进入了解！

最纯美的声音，澄澈纯净的嗓音得到更加完美的展现，缥缈空灵的唱腔，梦幻般的超空间美感，沉淀出一个天堂般透明绝美的听觉世界。 天籁 ：自然界的声音,物自然而然发出的声音。如风声、鸟声、流水声等。当形容十分动听美妙的声音时，常使用“宛如天籁”一词。

Ambient氛围音乐 《一》 背景及影响 这里所列的一些思潮或者哲学观，并非仅仅对Ambient音乐而言，事实上很多当代音乐品种都受到这些思想的影响，比如具象音乐、极简音乐，新古典音乐，工业音乐等等。这些颇为复杂的思想体系在这里被简单引用无非是想让读者对ambient有个更为全面的印象。 未来主义：早先未来主义阵营中有相当一批人是意大利作曲家。Russolo在1913年提出的未来派宣言，将噪音分为6类。他指出随着19世纪机器的诞生，噪音就打破了古代的沉寂，成为现代生活的组成部分。他认为应该跳出乐音的狭小圈子，征服无限可能的噪音王国，用各种噪音来编配乐曲。他们开始使用“噪音”作为乐器，尽管在音乐上几乎没有获得任何成就，但噪音作为乐器的概念对后人的启发性不言而喻。 达达主义：噪音宣言，即宣布将生活和自然的噪音引入音乐。喧闹、并置和机遇是达达主义的3个共同因素，对音乐而言，喧闹就是噪音，并置就是拼贴，机遇就是偶然。 对传统艺术观的挑战：“艺术高于生活”的传统艺术观在二战后被挑战，这也可以看作是达达主义所倡导的反形式、无序、概念化、行为化的一种延续。在1952年的“黑山事件”，John cage和其朋友在黑山大学进行了一次行为艺术“作品”展示，它充满随机性、偶然性，甚至亵渎性，即对人们长期信奉的艺术高于生活的观念进行拆解，生活和艺术的界限通过人们“什幺是艺术”的疑问得到消解。 东方哲学：用东方哲学当中强调的生命体验来对抗西方社会当中的那种虚无和麻木，如“以一心代万念”“一心不乱”等等。Ambient音乐的目的之一就是，让人们感受他们周围的世界，这同冥想、道家、瑜伽、太极以及禅宗哲学的要求相一致。冥想强调“专心一事”，这和大多数人的日常状态是如此不同。例如，当你行走街上，应该只关注自己是走在街上，而不是总想着到那吃饭或那里躲雨。这种静心专注是冥想所推崇的。冥想术认为我们同这个世界的唯一联系就是时空上的“现在”，当人们在做一件事的同时又想着另外的事情——这件事在时空上并非属于现在，这其实就是在自我和现实世界之间制造了障碍。事实上，多数人只花在他们目前生命上的时间甚少，但唯一能够影响自己生活的就是“目前”，冥想术认为正是这种矛盾造成了人们的虚无或挫折感，同时又不愿自己负起责任。那么“提供某种方式来让人们更趋向于他们自身本质”可以是一个坚实的艺术追求。Ambient音乐有助于改善人们对周围世界的认知，这也是ambient何以可以作为冥想音乐的原因。道家认为，感受事物的两种手段一是直接体会真相，另一对其进行抽象。幼年，如果我们见到一只不知名的鸟，我们全神贯注的观察，那时的感观完全开放的。当我们知道它的名字后，再次看到它，你会说它是麻雀。这个标签一旦形成，人们就再不会仔细对它进行观察更不会在意它们个体的细微差别。某种意义上说，人对外界的接受和感知程度是逐渐减少的，因为我们习惯了对事物进行抽象和概括（当然它无疑具有有利的一面），抽象过程多少会阻碍对真相的进一步感受。所以，道家要求人们更多的去直接感受世界，而不是一根筋的进行抽象。Ambient音乐更多的进行具体声音的呈现和强调对整体环境的感受，同道学中所倡导的直接感受世界相类似。 《二》3个相关概念：音乐（Music），碎形（Fractal）和环境（Ambient） 音乐（Music）：据韦伯斯特字典第三版本中的英文释意，其定义为：“一门科学或艺术，用于体现快乐，以表现为特征的或以让人理解为目的地将人声和乐器声组合在一起的创作，它具有明确结构和连续性”，另一解为，“具有节奏感、旋律化的和谐的人声或者乐器声”（the science or art of incorporating pleasing, expressive or intelligible combinations of vocal and instrumental tones into a composition having definite structure and continuity,” or alternatively :- “Vocal or instrumental sounds having rhythm, melody or harmony）。也就是说，音乐应该为包含人声和乐器声，并且它该具有连续线性，而非那些无不规则的声音片断。按照这一定义，John Cage的作品“4分33秒”——没有任何人声和乐器声，同时它也没有什么线性结构——是否还能叫做音乐？ 碎形（Fractal）：韦氏字典并没给出明确定义，但关于碎形一些特性的解释还是有的。碎形具备“自相似性（self-similarity）”，非整数纬度等特性。简单地说，碎形本身包含（由循环递归所产生的）无限的信息或数据，在其任意一点上都具有极端复杂性，但在宏观或就长期发展而言碎形却可预测。碎形和通常的几何物体对比通过一下例子就容易明白：如无形的云朵就是碎形，而规则的立方体则是规则地几何物，后者作为一个线性规则的物体，可以通过具体的步骤来测评其属性，相反的碎形几乎只能通过一系列动态持续的参数才有可能够描述。“自相似性”是碎形的极重要特性。“自相似性”仍通过一个例子说明：如果你靠近观看一片云朵的其中一部分时，你会发现它们会具有和整个云朵中其他部分同样的旋转或者变化方式。总的说来，自相似性意味着当你在同一碎形中抽取任意一部分你都会得到类似整体碎形的特性。非整数纬度是碎形的另一重要特性，例如，线条是一维的，面是二维的。如果你把线条进行卷曲，再将这个卷曲后的线条进行再卷曲，如此反复后这条线就会填充一个空间，这时，经过卷曲的线所具有的纬度介于1和2之间，也许是1.244或者其他数值。 环境（Ambient）：韦氏字典关于ambient的定义为“to go around, surround, encompass. An encompassing environment, or atmosphere” 即“遍布四处，环绕。一种包绕的环境或氛围”。将上述定义用于解释ambient music，会得出“一种让人有身临其境氛围感的，由人声或者器乐声所构成的音乐（具有线性结构的）”。很明显，对于ambient music而言它并非一个好的定义，ambient music并不一定非要有什么线性结构、器乐声或人声，这种基于韦氏字典推导出的解释被证伪。ambient music更因该是一种具有碎形特质（碎形之声音）而非仅具有线性之声的音乐，就是说声音本身比乐音/乐谱更重要。同时由于碎形的特性和产生氛围的结果它本身同视觉艺术有大量重叠，这个意义上讲ambient音乐也是一种多媒体艺术形式。 Paul Gaverold（伦敦ambient DJ）曾说ambient音乐“是一种节奏不再重要的音乐”Brain Eno 说“通常，一段流行音乐可以在响起的五分之一秒内被认出”，这意味着声音本身在流行音乐中的极端重要性。因此ambient music对声音元素更加重视，而那些不如声音本身重要的元素则较少给予重视，或者有时干脆把这些元素抹去——如David Toop 和 Max Eastly的ambient作品Buried Dreams就将节奏和乐音的传统观念完全舍弃，仅将各种碎形之声加以组合。 宇宙中存在的绝大多数声音都具碎形特性，声音本身并不一定就是乐音，自然或人工环境中的大部分声音并没有线性特质，也就不可以通过乐谱描绘或记录，如风、雨、树叶抖动、正在工作的空调，旋转的硬盘等等，也就说是乐音自身的限制导致它不能对大多数声响进行描述，这些声响通常没有明确的音高、时长或开始时间，乐音只是一种抽象化或者模拟的手段，这种抽象化的乐音永远不会包含象广义声音（自然界的或人工的）本身那么丰富的信息，如管风琴的发声始于气流（碎形之声）击打管壁产生震动最终在管壁内发声共振而发出乐音，但乐音一经产生就已流失了大量的原始数据或信息，同时用乐音的线性特质替代了碎形的特质。又如，如果将瀑布的声音录下，然后慢速度播放，你会发现它听上去仍然瀑布声，同样对乐器产生的乐音进行慢放则会听到非常古怪的动静。对于瀑布声的这个试验验证了碎形本身具有的自相似性，而乐音则不然。 《三》 ambient music的发展 什么是ambient music： AMG对Ambient music的解释是，一种具有空间感的电子乐，常较关注声音材质、多重复，无歌词或谱曲。对那些偶尔听这种音乐的听众而言，尽管作曲家的风格可能有很大的不同，他们听上去却差不多。 也许是由于它听上去显得颇为深奥以至于不能吸引大量的听众。很多Ambient音乐是由一票同时涉足其他音乐形式的音乐家所创作，他们都有不同的传统或背景：学院派的试验电子，Minimal Music，Spacemusic，舞曲音乐，民族电子乐，哥特或工业音乐等等，这种作曲者身份的复杂性很容易导致跨“行业”作业。Ambient Music的定义从一开始就是极端含混的，后来Ambient更是渐渐远离了最初所强调那种具象之声，而用一种更不清晰可辨的手法来处理声音，更加注重声音的空间感，色彩和音色，而不再仅仅是局限再背景节奏、可辨旋律及和声结构的有或无。 Eno之前 “那些过去不被接受的声音已被用于音乐创作，音乐界过去的那种宁静从此被搅浑” “20世纪是音乐革命的时代” ——《音乐中的新方向》David Cope 在荷马史诗奥德赛中提及的一种叫做“伊奥利亚竖琴”（aeolean harp）乐器，拿现代的概念看来，通过它产生的音乐可能是最早的Ambient音乐。伊奥利亚竖琴通常被挂在室外，当气流（风）通过琴弦时便能自动演奏。再后来由教堂管风琴所演奏的音乐也可看作是Ambient音乐，教堂中演奏管风琴的目的不在于让信众聆听， 而是让信徒们的精力更为集中，并帮助营造那种在布道时应有的气氛。这种为了改变参与者某种状态的教堂音乐，同当时盛行的音乐大厅或私人室内乐演奏场所的音乐有在功能上有很大不同。这些早就存在的音乐其背后的理念同今天的Ambient Music有共同之处。 早期的音乐多数只使用五度音程，越来越多的音程在后来被允许使用，如四度、三度和六度等等，到勋勃格的12音音乐（twelve-tone music）中更是任何音程都被允许使用。当然这些发展无疑仍是在乐音的线性概念下进行的，一定的音高和具体的时长等等。勋勃格和同时代的其他作曲家如德彪西及拉威尔的突破在于，让音乐从内心主观世界(情感世界)向外在客观世界靠近了一步，有趣的是，这和同一时代的印象派绘画正好走了相反的路线。 基本在同一时期，出现了声音集群（sound mass）这一概念，它不再强调单独的乐音，同时将规则可辨的节奏、明显旋律和分明的曲式结构这些以往被高度重视的元素弱化，在此概念指导下创作的音乐在当时常常被听众认为是噪音(乐音的不和谐)，可算是早期音乐和噪音如何划分的一次争议。马勒（Mahler）和斯特拉文斯基（Stravinsky）是最早使用声音集群概念的两位作曲家，后来的李格第（Gyorgy Ligeti）更是将这一概念作为他创作的主要焦点。尽管无论是马勒还是李格第仍是使用乐音，他们的革命性在于乐音被开始用来制造不和谐的噪音。声音集群的概念在具象曲家Iannis Xenakis等人身上也有体现，但采取的方式不同，他们不再仅仅试图将单个的声音融于整体音乐中，而采用声音颗粒（sound grains）——将采样得到的声音进行裁剪，从中获得那些仍能代表整体的声音片断，通常只有5到40毫秒——的手段，即通过声音颗粒的组合进行创作，这时通过采样获得的声音就不仅仅是乐音了，多数是货真价实的碎形之声。 直接对Ambient音乐产生影响的古典先锋派作曲家中，还有19世纪晚期的Claude Debussy和Erik Satie。Debussy的印象派（不表现感情，只表现感观印象）作品《牧神午后》和《大海》通过对传统大小调体系的突破，预示了西方音乐的新纪元的到来。 Satie提出的“装饰音乐”（furniture music）概念同Eno提出的Ambience概念类似。他对自己为一家画廊开业所写的音乐进行了这样的介绍“我们请求您在幕间不要注意这音乐，而请你随便活动，就像这种音乐根本不存在一样。”他认为这种音乐的价值在于它象“一张画或者一把椅子，你可以坐或者不坐，这样来为生活作贡献”。在他后来的作品《炫技表演》中更是使用了打字机作为点缀性的噪音。显然Satie这里所持的价值观不同于传统的精英主义那种艺术高于生活的价值观，而强调音乐作为生活的一部分。 20世纪中期，美国的John Cage在很大程度上继承发扬了Satie的价值观，同时他也深受东方哲学——中国的道家、禅宗，日本的禅宗以及印度的佛教——影响，在听过铃木大拙在哥伦比亚大学的讲学后，更是将其中的启发和音乐创作联系起来。cage从禅学那里获得的思想根基是，将每天的日常生活当作“最高事业”，以此为基点，他认为音乐创作应该打破人为的控制；有价值的是世界或者生活本身，而不是对它们的解释。这正是反人工、反控制思想的体现。在他的一本书中写道“创作音乐的目的是什么?当然不是与各种意图打交道，而是与音响打交道。或者说，答案必须采取反论的方式：有意义的无意义或一种无意义的有意义。然而，这种游戏是对生活的肯定——不是试图使混乱变得有序或者用于表现创造的价值，而仅仅是使我们注意到我们亲身经历着的生活的一种方式，一旦我们不以我们的思想和愿望去干涉生活而让它顺其自然时，生活该是多美妙啊。”从这样的思想出发，他找到的理想作曲方法就是偶然、随机。他认为，采用偶然的创作方法，可以使他的音乐从他自己的好恶中解脱出来，获得自由。他最“臭名昭著”的作品是“4分33秒”：现场观看表演的观众仅在33秒和2分40秒处看到钢琴师关上琴盖又打开的动作，但没弹奏任何音符，这是部源于消减任何人工之声之呈现自然声音概念的无声作品。现场观众自己身体所产生的声音（神经系统活动的声音和血流的声音，它们可以在极其安静的消音室被听到）加上观众们由不解所导致的窃窃私语或抱怨声本身也构成这部作品。“4分33秒”的创作目的在于让大家倾听生活，它在解除人为的对音响控制的同时也消解了艺术高于生活的等级制度。 在作曲手段上，他通过电子录音设备的辅助，大量使用采样和拼贴技术。John Cage将“环绕我们周围的声音都可以当作音乐聆听”的概念引入其创作，进一步疏远了传统作曲模式中的线性化构架，而趋向于采用自然碎形之声。他（当然也包括Karlheinz Stockhausen这样的电子音乐先锋和Pierre Schaeffer一班具象音乐家）的作品和这一概念对后来Ambient音乐使用任何声音来进行创作具有深刻影响。 Cage之后，1960年一批有着古典音乐背景的美国作曲家开始开始从事极简音乐（minimal music）的探索。无论是通过交响乐团还是电子乐器或者非西方乐器演奏，他们都强调那种在一段长时间内不断重复但缓慢展开的细微变化，而这些变化并非一定要让听 众明显的察觉出来。后来这一概念被用于不同种类的音乐中，如Ambient，New age和Techno。 60年代也是这些先锋理念被吸收进Rock的年代。60年代晚期的Rock被电子技术、迷幻药、来源于新古典领域的先锋理念大大丰富了，艺术摇滚自Pink floyd和Tangerine Dream起开始关注听觉上的空间感，他们的作品很多是纯器乐的、即兴的空间感十足的长篇大论。Rock也开始有了自己的先锋乐派——Progreesive rock。当时的乐评人和乐迷炮制了“Spacerock”和“Cosmicrock”来形容Progreesive rock中那些空间感很强的团体。此类音乐后来被叫做spacemusic，它们早于ambient音乐而存在，并且同amient音乐有一段时间的并行发展（后面还会提到）。 提到电子乐一定要提的团体就是Kraftwerk，他们在电子乐史中的地位不用赘述，“电子超越国家与肤色…通过电子乐，一切皆有可能。唯一的限制在于作曲家自己”是他们在一次采访中的原话。今天当我们说起合成器时，可能很多人都不以为然，但在吉他横行天下的时代，他们对合成器的使用无疑是革命性的。Kraftwerk具有城市化、科技化和后工业的视野。他们的未来主义思想加上他们创造的未来之声对后来者——特别是合成器Pop和底特律的黑人音乐家们——的影响极其深远，当然也包括ambient。 Eno时代 进入70年后，确切说是1974年随着Kraftwerk那首长达24分钟的《Autobahn》成为热门金曲，电子乐开始逐渐独立。此后电子乐作为手段开始用于流行音乐的制作，70年代后期 新的跳舞音乐Disco开始风靡西方世界。在同一时期Brain Eno开始创作Ambient音乐。1978年Brian Eno发表了Ambient 1：Music for Airports。当时正值Disco流行，这张专辑并为受到重视，甚至被无情抨击，其中一条是 “它之所以让人觉得恼火在于这玩艺根本没什么用，事实上，整个专辑可以用冷淡来形容，如果听众不小心用5元钱换取了这种胡扯音乐，那结果一定是自己踢自己的屁股”（Ed Naha, in Circus magazine）。随着时间的推移，这张专辑显示出越来越重要的地位。《Ambient 1：Music for Airports》的发表也被公认为是Ambient音乐的开始。其实早在1972年Eno就同Robert Fripp创作了专辑《No Pussyfooting》，这是第一张Brain Eno自己形容为Ambient音乐的专辑。 比较1972年的《No Pussyfooting》和78年的《Ambient 1：Music for Airports》，你会发现其实他们虽然都可以叫做Ambient音乐，但手法并不一样，这也许和72年专辑中Robert Fripp的加入有关，但不可否认的是Eno在这6年中创作思路的转变。 话说1975年，车祸后的Eno刚刚出院，行动尚不方便，便让其朋友Judy Nylo给他带音乐来听。她走后，Eno将这张18世纪竖琴音乐放入音响，由于当时功放输出被设置为极低，且立体声的一个声道完全坏掉，自己又无力修理，便只能将就着听这种声音极微的音乐。当时正下着雨，雨声甚至超过室内的音乐，这对于Eno来说是种全新的听音方式：将音乐放入环境，极低的音量使得音乐本身并不引入注意，这个时候音乐，视觉感受（室内光和色彩），窗外的雨声共同构成了身处的环境，这种感受据Eno事后讲对他后来的创作理念影响极大，并建议将他的作品在极低的音量下（甚至听域范围以下）收听作为一种聆听方式。 Eno想创作的音乐是那种可以给听者提供一个内省和想象空间的音乐。聆听本身不是主要的，恰恰相反，它要求听者的注意力不要被音乐本身牵扯太多。他在不同专辑的内页里反复强调这一点：“Ambient Music必须能够适应听觉的多个层面而不是可以强加在某一特定的层面；它必须在聆听的时候可被忽视”（1978专辑Ambient 1）。“我创作的音乐是正好处在旋律和声音质地两者之间，我的音乐逻辑是，它应该是一种对听觉的模糊回报，而非作为听觉的直接需求”（1993年专辑Neroli） Eno对ambient音乐解释——一种常被用作背景而非那种要求主观去感受的音乐形式——和前述的Satie的概念如出一辙，但自Eno后被更广泛的接受。例如，David Toop和Max Eastly的作品Buried Dreams在演奏时要求以刚刚能被听觉感知的音量进行表演。这一概念是对将音乐同自然/环境隔离的陈旧观念的挑战，同样的，在一些具有环境特质的多媒体艺术中，不是要求身处其中的人去精力集中的进行感受，而是强调你对整个环境的经历，也就是说身处其中才是最关键的。 事实上，Klaus Schulze 和Eno对后来ambient美学的全面形成有着同样重要的影响。和Eno不同的是，他的欧洲古典音乐背景比Eno更加深厚。不过他早期的作品太过关注声音质地，受到不少人的诟病，后来Schulze越来越多的将精力集中在技巧的熟练和如何将作品同表演环境更好的结合上。他对电子音色的出色运用和高度概念化的作曲方式对电子乐及学院派音乐都有很好的示范作用。 值得一提的是，在Eno同一时代，用噪音作为手段，采取震撼策略，以反艺术、反音乐和反控制为目的的工业音乐运动也在不列颠和德国展开；经过几年的发展，英国的Progressive Rock和Psychedelia也从传统的Rock Band模式和3分钟曲式中脱离而出。这3种动向全部来自于1960到70年代的英国艺术学校。 当然Ambient音乐并非只源于英国，在德国、美国和加拿大，也有很多的Spacerock/spacemusic团体同Ambient music同步发展。Space的通常概念是同外层空间相联系的（有些作品也的确如此），但这种音乐更多的是指那个当下被听到的空间，也包括听众的“内部空间”，这种音乐会牵扯很多听众的潜意识情感，这和Eno原先对ambient的描述出入很大——Spacemusic定位在“前景音乐”和“背景音乐”之间，这就混淆了ambient music将音乐作为日常生活背景的原始概念。当然，在今天看来，spacemusic是对原始ambient muisc的一个拓展。 这个时候的美国的极简作曲家开始更多采风异域音乐——如从印度拉迦(印度的一些传统曲调, 具备特有的音程、韵律和装饰音等)中萃取音乐元素，对调式系统进行试验和更多的运用电子合器，以便创作出适合当时风行的冥想表演音乐。 随着Ambient音乐的发展和当时具有类似特征音乐的成熟（如spacemusic和minimal music），在乐评和爱好者当中出现了对“Ambient音乐该作为一种听音的方式还是一种作曲的模式”的讨论，一些乐迷提出“听觉仪式”的观点，认为ambient作为一种改变意识状态的音乐本身具有视觉交流的能力。当然讨论也在作曲模式层面展开。这些讨论本身就说明ambient music和它背后的概念开始被人们接受。 Eno并不是探索ambient music概念的第一人；在历史深处，可能也不是他第一个将这种音乐叫做Ambiet音乐。他对ambient音乐的贡献也许并不在于发起，而在于其作品对后世的影响。 Eno之后 1983年，House在芝加哥Warehouse俱乐部音乐诞生；1985年底特律人Juan Atkin发表第一张Techno唱片《No UFOs》，House和Techno的出现大大推动了舞曲文化。80年代晚期的英国，Acid House开始在风靡，在英国House界混迹多年的Alex Paterson——前Killing joke的巡回演出管理员——被Paul Oakenfold 雇用为Club Heaven的Dj，他在舞厅二楼的Chill room给疲惫的舞客播放音乐供舞者Chill out。当他经常播放的Eno的Ambient系列和Tangerine Dream 70年代的作品同楼下舞池中飘来的house节奏混在一起时，便诞生了Ambient House。和当时的house舞曲不同的是，它是一种为听觉而创作的电子音乐，不再是为摆动身体。 Alex Paterson同苏格兰说唱团JAMS成员Jimmy Cauty共同组成了The Orb，但在（89年）发行了首张专辑后不到一年的时间就宣布解散。后来Jimmy Cauty后来和Bill Drummond组成了KLF。The Orb同KLF都是当时house amnient的先锋。至此适于坐着听的电子乐成为电子乐的一个分支。 B12是极少数能够接过底特律Tchno美学衣钵的伦敦二人团体，他们同美国团体Aphex Twin, the Black Dog, Higher Intelligence Agency, 和挪威的Biosphere 一起将生硬的Techno改造具有剔透的音色、小调旋律和离奇采样的ambient techno。 其他重要的音乐家包括Mixmaster Morris (Irresistible Force)和Pete Namlook及其厂牌Fax Records下的艺人。 90年代后舞曲元素的融入使得Ambient音乐的含义发生迁移，这时的Ambient music主要是指那种具有相对于舞曲稍缓但具备迷幻的节奏、空灵的旋律/主题、多元化的采样（自然声居多）的电子音乐，它的目的不再是让你对音乐本身忽略，很多情况下，你在放松的同时会不由自主的摆动身体。这和过去那种没有节奏的Ambient有很大的不同。 1994年到90年代晚期，The Future Sound of London的作品lifeforms、ISDN和Dead City的发行是后rave时代欧洲实验电子快速杂交时代的重要标志。 Chill room和Rave/或说舞曲文化的亲近关系对音乐而言意味着很多，借来acid house和techno的元素，ambient house，ambient techno，ambient dub这样的混血名词开始流通. 2000年前后，Chill out开始函盖相当多不同类型的Downtempo音乐，从Ibiza海滩，柏林的Lounge酒吧到各地的大型户外Party到处都有Chill out音乐。不可否认，Chill out如同当年的New age一样很容易成为阴险的商业伎俩，各大厂牌蜂拥发行此类唱片合缉也是事实，但重要的是，Ambient音乐借助通婚和杂交将自身的基因播散到其他音乐种类当中，这个时候它叫什么也许并不那么重要。 ambient音乐的分化不仅来自于七八十年代那些相对更为严肃的环境实验，同样来自于越来越多的同ambient平行发展的当代音乐品种，ambient音乐在90年代中后期疯狂繁殖使得那种古老的Ambient标准不得不随着自身的发展被不断修订。一种新风格会催化一打新品种的出现，这使得确认种类的工作显得笨拙和幼稚，没准还让人恶心。。。 《四》亚类 1.传统的Ambient音乐是无节奏的，80年代晚期到90年代早期借助电子乐的兴盛，Ambient音乐经历了一次复兴通，在70年代的Ambient音乐基础上融入节奏，出现乐不同形式的ambient电子乐如Ambient Techno和Ambient dub等 2.有机Ambient音乐 有机Ambient以电子乐器和传统乐器的综合使用为特征。除了电子音乐的影响外，有机Ambient音乐还吸收了世界音乐的一些元素，特别是嗡鸣乐器（Drone instruments）和直接用手击打的打击乐器。典型音乐家：Robert Rich,Steve Roach,Vidna obmana 和 Tuu。 Brain Eno的一些用传统乐器（如钢琴）电子乐作品在这个意义上也是有机ambient音乐。 3.自然取向的Ambient音乐 用自然界采样录音获得的声音素材来创作的Ambient音乐。通常这些采样会被处理后再使用。这些声音素材可以反复或者随机放入作品中。如Biosphere的Substrate，Mira Calix的昆虫音乐和Chris Watson的Weather Report。通常有机Ambient和自然取向的Ambient会有重叠。 4.分离主义Ambient音乐（Illbient/dark ambient） 分离主义Ambient音乐可能是最黑暗和最不容易接近的Ambient音乐。启发来自工业音乐、噪音音乐、哥特音乐和古典音乐。它的名字来Kevin Martin和Simon Reynolds等乐评人为讨论音乐方便起见的杜撰，此类音乐的特点为黑暗病态、退缩，反积极，它更像是悲歌或拒绝而非是邀请。后来逐渐被Illbient/dark ambient所取代。著名厂牌包括Sombient/asphodel。代表音乐家有Robert Fripp，Vidna Obmana，Coil，Dj Spooky。 5.Ambient electronic music 形成于80年代晚期和90年代早期。骨干音乐家包括Aphex twin,Pete Namlook, The Orb, Moby, Future Sound of London等等，周边音乐家还有Air，Bill Laswell。这场始于地下的音乐形式到90年代中后期逐渐流行。 sub-genre：ambient house//ambient techno//ambient breakbeat// ambient dub//soundscape Soundscape：没有明显的单一声音的重复或明显可辨的声音主题。对于一部分听众而言，这类音乐在听觉上不太友好，Radiohead的作品Treefingers，日本音乐家Nobukazu Takemura的作品，一些IDM音乐家的作品也属此类。

此频道主要介绍来自我们邻国的音乐 ethnic 人种的, 种族的, 异教徒的 ) Of or relating to sizable groups of people sharing a common and distinctive racial, national, religious, linguistic, or cultural heritage. 种族的，人种的：属于或关于相当大规模人的群体的，群体中的成员拥有共同的和独特的种族的、民族的、宗教的、语言的或文化的遗产 (2) Being a member of a particular ethnic group. 种族一员的：作为一特定种族集团中的成员的 (3) Of, relating to, or distinctive of members of such a group: 种族风格的：属于，关于或区别于这样一个集团中的成员的： ethnic restaurants; ethnic art. 民族风味的饭馆；民族艺术 (4) Relating to a people not Christian or Jewish; heathen. 异教徒的：关于非基督教徒或犹太教徒的人的 n.（名词） A member of a particular ethnic group, especially one who maintains the language or customs of the group. 具有该种族语言、风俗的成员：某一特定种族集团中的一员，尤指保持着这一集团的语言或风俗习惯的成员

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